En esta densa y bella reflexión, Jens Andermann nos introduce en la lógica del trance, una forma de nombrar al nudo borromeo que enlaza el espacio y tiempo del sujeto con el de la comunidad, ambos escindidos por violentos desplazamientos e hiatos temporales. Así persigue un objeto desvaneciente que, hacia adelante, se dirige al hiperobjeto, el in-mundo postnatural, pero que, retrospectivamente, puede ser leído como el trazado de una historia natural del antropoceno. En la perspectiva del autor, se trata del relato de un repliegue, doblez del arte en relación a su marco institucional, y desdoblamiento de modos anteriores de postulación estética del mundo como «paisaje». El ambiente surge así como «escena», conjunto espaciotemporal fluido que no se define por la exterioridad social de sus formas, sino por la dinámica interna de sus fuerzas. El trance de una cosa no es ni una parte, ni un estado de la misma, sino algo que de ella deriva. Détournement. Ese otro lugar, semejante a un recipiente, es un lugar transportable con la salvedad de que el recipiente nunca es parte de su contenido. Así, en la medida en que es separable de la cosa, el trance no es la forma, y en cuanto la contiene, es algo distinto de la materia. Nos enseña que todo espacio es parataxis: sin origen ni orientación, intenso pero no extenso, liminar del límite. El trance es el silencio o secreto del arte, su reconfiguración absolutamente contemporánea, mediante la cual lo estético se redefine como el umbral mismo de nuestra inespecificidad.

¿Qué puede encontrar aquí un lector interesado en el arte actual de Chile? No son estos los escritos de un artista (según T.S. Eliot, los poetas no aprecian a otros poetas, si lo hicieran tendrían el mismo proyecto). No son tampoco los de un galerista, que busca sobre todo entusiasmar a un posible comprador con ánimo de armar una colección. No son tampoco como los de los curadores, que muchas veces arman una narrativa propia en la que las obras tienen apenas el papel de una ilustración. Una aproximación a lo que esta escritura es tendría que ver, tal vez, con el amargo y fascinante ejercicio de traducir. Esta vez no de un idioma a otro, sino de un trabajo de pensamiento que se hace con lo material y lo visible, a otro trabajo de pensamiento, hecho con palabras. Sabiendo siempre que con palabras no se puede realmente llegar a las obras, sabiendo que no se da nunca perfectamente en el blanco. En el mejor de los casos, se hace un gesto que de alguna manera corresponde a la obra. En el mejor de los casos, se logra abrir un buen espacio de conversación en torno a ella...

Una obra clave para comprender la historia de las ideas estéticas y de la teoría del arte.

Publicado por primera vez en 1982 y merecedor del Premio Nacional de Ensayo en 1983, Lo bello y lo siniestro es un texto imprescindible para comprender la historia de las ideas estéticas y de la teoría del arte.

Mediante el análisis de obras diversas -desde las pinturas renacentistas de Sandro Botticelli hasta la célebre película Vertigo de Alfred Hitchcock- el genial filósofo valora la evolución histórica de dos categorías estéticas opuestas, lo bello y lo siniestro, para descubrir lo que ambas tienen de sublime. Eugenio Trías persigue y consigue incansablemente para ofrecer al lector uno de los ensayos más descollantes de nuestro tiempo.

Esta nueva edición de Lo bello y lo siniestro ha sido revisada y actualizada por su autor y analizada, en un magnífico prólogo, por Vicente Verdú.

La crítica ha dicho...
«Ha sido esa ruta vital en pos de hallar una solución al problema de la verdad, la que ha situado a Trías en la vanguardia del último pensamiento europeo.»
El Mundo

«Eugenio Trías se acercó a la perfección formal y filosófica en estas páginas.»
Rafael Narbona, El Cultural de El Mundo

Sebreli descubre el acceso a uno de los relatos más apasionados de la
actualidad: la historia de los movimientos y las vanguardias artísticas
del siglo XX. Su incursión no solo invita a transitar las distintas
tendencias sino a pensar acerca de las conductas y los acontecimientos
que las hicieron posibles.

Entre el logro técnico y la impostura exhibicionista, entre la
conformidad crítica y el prestigio clandestino, entre la operación
solitaria y la megalomanía, Sebreli advierte los síntomas de malestar en
la cultura, los matices de hastío de quienes determinan el valor de la
obra de arte -museos, mecenas y otras instituciones- y los reclamos de
orden y jerarquías que precipitan el relevo, las continuidades y
rupturas. Con su agudeza acostumbrada, hace desfilar ante nuestros ojos
diversas manifestaciones de acatamiento ante el totalitarismo estatal y
la dictadura de mercado.
Los puntos de vista del autor de «El asedio a la modernidad» y «El
vacilar de las cosas» nos persuaden por su atrevimiento y su riqueza
intelectual tanto cuando adopta una posición firmemente argumentativa
como cuando sostiene hipótesis riesgosas. El estilo de Sebreli es ya una
de las definiciones más certeras e imprevisibles de nuestra época.

Lo falso y lo original conviven en desigual pero en continua relación desde los orígenes de nuestra cultura. En cierto modo, mantienen una relación de dependencia parecida a la del otro con el yo, o similar a encontrarse ante un juego de espejos. Durante muchos años, hacia lo considerado literatura falsa, se ha tenido una mirada negativa que la asimilaba al delito, de modo que términos como plagio, falsificación, fraude y otros tienen principalmente acepción legal, y desde esta perspectiva se han hecho bastantes acercamientos a una realidad compleja cuyo territorio resulta difícil delimitar y nombrar. Pero esta acepción criminal –que la rela- ciona con otros fraudes, como los de la industria alimentaria, la moda, etc.– es fácil de comprender, no solo por lo que las falsificaciones literarias suponen de engaño al lector / consumidor, sino también por las implicaciones que en otros tiempos tuvieron, al servir para legitimar derechos sobre tierras, propiedades y cobros de impuestos que, en puridad, no tenía quien mandaba falsificar o contrahacer documentos y testimo- nios. Las genealogías, las historias de las ciudades, las de las iglesias locales, abundan en este tipo de falsa literatura, dirigida a asegurar un orden político, económico y de poder.

La revolución y la invitación a vivir la vida como si fuera una eterna fiesta, una soireé turbulenta y excitante, son los temas que explora el autor. Además del impacto de las vanguardias en sociedades cada vez más ávidas de experiencias fuertes, espectáculos emocionantes, aventuras transgresoras y actitudes rebeldes.

Del autor de Horizontes estéticos y Pensar la realidad, Carlos Granés.

Premio Internacional de Ensayo Isabel Polanco 2011.

A inicios del siglo XX, en la apacible y neutral Suiza, convivieron dos grupos revolucionarios: los primeros -bajo la férula de Lenin- se proponían transformar la sociedad, la economía y la política; los segundos -agrupados en el dadaísmo- se preparaban para alterar las mentes, las costumbres, los valores y la forma de vivir de las personas. ¿Cuáles fueron los desenlaces de esas revoluciones? La socialista se derrumbó en los años ochenta tras la caída del Muro de Berlín y el colapsode la Unión Soviética. La segunda, la de las vanguardias, se enfrentó a un destino paradójico: a pesar de que cada una de las batallas utópicas condujo a la derrota, sus acciones lograron imponerse y ganar adeptos.

Carlos Granés ofrece al lector el recuento de las corrientes vanguardistas (desde la irrupción de Marinetti y el futurismo hasta los "jóvenes indignados" de España) y sus protagonistas, y se adentra en los distintos espacios donde se han hecho presentes: las artes plásticas -con Duchamp a la cabeza-, la literatura -desde el dadá hasta los beats y obras más recientes-, las propuestas educativas -como Black Mountain College-, la música experimental y "popular" -como ocurre con los trabajos de John Cage y de los Sex Pistols- e, incluso, en algunos movimientos sociales como el hippismo y análisis sociológicos como el situacionismo.

Lo que ha dicho la crítica:

"No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del siglo XX como lo ha hecho Carlos Granés en El puño invisible. Lo he leído con la felicidad y la excitación con que leo las mejores novelas". -Mario Vargas Llosa.

"El puño invisible es un libro brillante y raro en nuestra lengua. Una espléndida historia de las corrientes estéticas del siglo XX que encierra también una espléndida historia de las ideas políticas".-Ramón González Férriz, Letras Libres.

"Por la importancia del tema, la amplitud y la profundidad de la documentación y la creatividad con que la maneja, por la calidad de su escritura -rica, amena, apasionante-, el jurado consideró que Carlos Granés Maya debía ser galardonado con el Premio Internacional de Ensayo Isabel Polanco 2011". -Extracto del acta del jurado compuesto por Fernando Savater, Gonzalo Celorio, Héctor Abad Faciolince, José Balza, Rafael Rojas y Margarita Valencia.

El día de Navidad de 1886, Paul Claudel, un joven francés descreído, entró en Nuestra Señora de París e, impactado por la catedral, se convirtió al catolicismo. "En un instante mi corazón fue tocado, y creí […]. Las lágrimas y los sollozos acudieron a mí y el canto tan tierno del Adeste fideles aumentó mi emoción", escribió. Cuarenta años más tarde, en 1926, un enigmático alquimista que firmaba con el seudónimo de Fulcanelli publicó el libro El misterio de las catedrales, donde aseguraba que había alcanzado un estado místico que él denominaba "la iluminación", y que logró contemplando las vidrieras de una catedral gótica. Y es que, desde su origen a mediados del siglo XII, las catedrales góticas han ejercido una fascinación extraordinaria en cuantos las han contemplado, hasta el punto de convertirse en la imagen más reconocible de una fabulosa y legendaria Edad Media en el imaginario colectivo europeo. La arquitectura gótica, una de las invenciones más impresionantes del genio occidental, y la catedral como su máxima expresión, han despertado el asombro entre quienes se han acercado a ellas, incluso con las miradas más rabiosamente vanguardistas y contemporáneas. En este libro, ilustrado con fotografías, planos, dibujos y mapas, José Luis Corral, catedrático de Historia Medieval y reconocido novelista, resuelve numerosos enigmas y desmonta los mitos en torno al mundo de las catedrales, unos edifi cios fabricados en vidrio y piedra en los que se condensan siglos de sabiduría y ciencia, de luchas por el triunfo de la razón sobre el dogma y de la luz sobre las tinieblas.

Por fin, el retrato completo del incomparable maestro.

Vida, muerte y genialidad de la mano de dos ganadores del premio Pulitzer

Van Gogh trabajó como marchante de arte con escaso éxito, intentó convertirse en predicador, hizo incursiones como ilustrador de revistas y, por último, tuvo una carrera de pintor tan brillante como corta. Cuando murió en Francia a los 37 años sus cuadros se amontonaban, sin que casi nadie los mirase, en los armarios, desvanes y habitaciones de sus parientes, amigos y acreedores. Sin embargo, en su breve y tempestuosa vida, Vincent van Gogh había cambiado el curso del arte occidental para siempre.

Trabajando con la plena colaboración del Museo Van Gogh de Ámsterdam, Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores del Premio Pulitzer por su biografía de Jackson Pollock, han tenido acceso a materiales inéditos, incluyendo correspondencia familiar hasta ahora desconocida, para recrear, con increíble viveza y una sorprendente precisión psicológica, la extraordinaria vida del pintor.

Los autores arrojan nueva luz sobre muchos de los aspectos inexplorados de la existencia de Van Gogh: su permanente lucha para encontrar su lugar en el mundo, su intensa relación con su hermano Theo, su errática y tumultuosa vida sentimental y sus ataques de depresión y problemas mentales. Ofrecen además un convincente e inesperado relato sobre las circunstancias de su muerte que da un vuelco a las teorías manejadas hasta ahora.

Esta monumental biografía es, sin duda, el retrato definitivo de uno de los grandes genios de la historia del arte.

La crítica ha dicho...
«Para esta generación, el retrato definitivo del pintor. El logro más importante de Naifeh y Smith es haber logrado un ajuste de cuentas con la -locura- ocasional de Van Gogh que no pierde de vista la lucidez y la inteligencia -la profunda cordura- de su arte.»
Time

«Una biografía que se lee como una novela, llena de suspense y detalles íntimos.»
The Washington Post

«En su magistral nueva biografía Steven Naifeh y Gregory White Smith ofrecen una visita guiada por el mundo personal y la obra de este pintor holandés, iluminando la evolución de su arte a la vez que elaboran una teoría sobre su muerte destinada a crear controversia.»
The New York Times

«Cautivador... Los autores reconstruyen vívidamente las historias entrelazadas de su vida y su arte, retratándolo como una "víctima de su propio corazón fanático". Su excelente libro tiene el potencial no sólo de revitalizar el interés popular por Van Gogh, sino de presentar a uno de los espíritus más valiosos de la historia del arte a toda una nueva generación.»
The Wall Street Journal

«Una nueva teoría sobre la muerte de Vincent van Gogh puede acabar reescribiendo la historia del arte... Después de leer cientos de documentos, de libros traducidos para ellos por el museo Van Gogh y de recorrer la correspondencia del artista, la obra dibuja a un hombre más complejo de lo mostrado hasta la fecha.»
El País

Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros

¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro?

Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno.

Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.

La crítica ha dicho:
«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»
Antonio Lucas, El Mundo

«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»
Nati Pulido, ABC

«Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»
Ángeles García, El País

«Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»
Javier Ors, La Razón

«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectacióny hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción de esas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»
Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)

Una nueva y meditada reflexión sobre el arte, su historia y varios de sus protagonistas.

Picasso fue a visitar a Braque en su estudio. El pintor trabajaba un bodegón. De pronto el malagueño exclamó: «¡Pobre amigo! Veo una ardilla en tu lienzo». Braque respondió sorprendido: «No es posible». Picasso insistió: «Quizá sea una visión paranoica, pero veo una ardilla. El lienzo está destinado a ser un cuadro y no una ilusión óptica; la gente necesita ver algo en él. Tú representas un paquete de tabaco junto a una pipa, pero aparta de ahí esa ardilla». Braque llegó a ver la ardilla y luchó encarnizadamente con ella, hasta que, al fin, el tabaco, la pipa y los naipes se transformaron en un cuadro cubista.

Esta anécdota, apenas conocida, sirve a J. F. Yvars para dar título a esta nueva selección de textos. Insiste en el análisis de la obra de arte desde diferentes perspectivas y ayuda a descifrar el trabajo y lapersonalidad de figuras cardinales: Julio González, David Smith, Aby Warburg, entre otros.

Este libro se mueve entre dos planos. En el primero, una historia de la representación del artista en el paisaje. Cuatrocientos años de pintura occidental —contemplados a través de la obra de Brueghel, Lorena, Both, Wilson, Friedrich…— como excusa para formular preguntas que nos afectan a todos: ¿a qué fuerzas obedece la tendencia aparentemente exhibicionista que sugiere la introducción del autorretrato en el paisaje? ¿Para quién representa el artista ese papel de sí mismo? Si él está ahí de espaldas, ¿de dónde sale ese cuadro? Es decir, ¿quién lo pinta? Por fin, ¿de qué manera nos informa eso sobre nuestras relaciones con nosotros mismos y con el paisaje? Obviamente, depende del paisaje y depende del personaje. En todo caso, las respuestas que hasta ahora ofrecen, tanto la historia del arte como el psicoanálisis, solo explican cierta parte. Dejando a un lado las lecturas hermenéuticas, semióticas o analíticas del pasado, este libro presenta la suya propia y muestra, en segundo plano, que tampoco el debate actual, con sus opciones visuales y encarnadas, es capaz de ofrecer grandes mejoras en relación con lo heredado. Ni el racionalismo neurótico —abanderado por Žižek y los lacanianos—, ni el idealismo psicótico —liderado por Lyotard y los deleuzianos—, abarcan todos los matices del arte y lo humano. Frente a ambos, lo que aquí se propone es suavizar los tonos y ampliar la reducida terminología oposicional manejada para dar entrada a direcciones, por momentos, ajenas a cualquier esquizia maniatada: la de los pájaros y la del fantasma. En relación con ellas, la apuesta es clara: un psicoanálisis nietzscheano que sugiere otro modo de acercarse al paisaje, a la visualidad, a los cuadros estudiados y a nuestra realidad mutante.

Las actividades lúdicas en los humanos son producto de la cultura y son influidas por el desarrollo tecnológico predominante. Los videojuegos, como productos tecnoculturales de la sociedad del conocimiento, proporcionan escenarios virtuales donde desarrollar las actividades lúdicas. Los elementos gráficos constituyen una gran fuente de estimulación emocional, por lo que se les llamó elementos emocionales del diseño. Con estos se logra la implicación del jugador en el juego. Por otro lado los videojuegos de ambientes bélicos son muy cuestionados por sus posibles efectos negativos pero a la vez, son de los más demandados entre los juegos online. Así mismo, estudios antecedentes
han demostrado efectos de los videojuegos en los aprendizajes. De allí que nos planteamos estudiar las motivaciones de juego de un videojuego bélico y los posibles efectos en los aprendizajes.
Entre los resultados obtenidos se puede destacar que lo que más le atrae a los videojugadores son los aspectos gráficos y la jugabilidad, aunque lo más valorado por la mayoría fue la posibilidad de interacción social con amigos y conocidos, así como el apoyo mutuo en el equipo de juego. Se encontraron motivaciones diferenciales según la procedencia y la edad. El aporte formativo que deja la práctica del juego es el desarrollo de competencias socio- emocionales y de competencias digitales.