[ES] El presente trabajo analiza el impacto literario del mito de Greta Garbo desde una óptica panhispánica. Aborda no sólo su constitución en mito como una unidad de significado organizada por el hecho fílmico y cinematográfico, sino también por la literatura. Se ha dividido en distintos modelos, conformados por aportaciones de las teorías fílmicas y literarias focalizadas en su mayor parte en los procesos de recepción. Aunque se ha mantenido la especificidad de los códigos que forman parte del mito, se trazan convergencias entre ellos al tratarse de una realidad intersemiótica. Para ello, se ofrece un recorrido crítico de los textos desde la estética de la recepción, la semiótica, la narratología, la teoría de los polisistemas y la iconología, además de las teorías de los géneros literarios y cinematográficos. Se constata que el mito, especialmente el que surge en la cultura de masas, exige la proximación comparatista, trasversal e interdiciplinar de los distintos discursos y artes. Ello demuestra la vigencia del mito en la literatura contemporánea.
-------------

[EN] This thesis analyses the literary impact of the myth of Greta Garbo from a panHispanic perspective. As a starting point, the constitution of film and cinematographic myth in literature is explained, and subsequently different models are applied based on film and literary theories that primarily address reception. Since we are dealing with an inter-semiotic reality, convergences are drawn among the different codes describing the myth. To do so, a rich corpus of texts has been studied (novels, stories, poems, microstories, hybrids) from the point of view of the aesthetics of reception, semiology, narratology, theory of polysystems and iconology. Also explored is the notion of literary and film genre. It was found that myth, especially when emerging from mass culture, requires a comparative, cross-sectional and interdisciplinary approach involving different discourse and arts. Furthermore, the general validity of myth is demonstrated in both Spanish and Latin American contemporary literature.

Composiciones bajo tierra aborda aspectos clave de la abstracción prehispánica tal como resuenan en diferentes momentos del arte moderno y contemporáneo. De esta manera, los textiles andinos, los atuendos propios de las ceremonias selk’nam, y las líneas de Nasca son abordados a la luz de la enseñanza y obra del artista alemán Josef Albers, la abstracción geométrica de comienzos del siglo XX, y el Land Art norteamericano, respectivamente. La mirada detrás de estos textos no es la del teórico o historiador del arte, sino la del artista visual, por lo que las interpretaciones que encontramos son más arriesgadas, pero también abiertamente tentativas, tal como debiera ser todo ensayo en tanto tal. Compositions Under the Soil addresses key aspects in pre-Hispanic abstraction and how they resonate through different periods of Modern and Contemporary Art. Therefore the Andean textiles, the ceremonial Selk’nam attires, and the Nasca Lines are approached in the light of the work and teachings of German artist Josef Albers, the early 20th century Geometric Abstraction, and the North American Land Art correspondingly. The gaze behind these texts is not one of an art theorist or historian, but the one of a visual artist, therefore the interpretations are riskier and openly tentative, as every essay as such be.

Si le texte évangélique de l’Apocalypse est une des thématiques les plus représentées en histoire de l’art, ce n’est pas tant pour faire allégeance au texte sacré que pour sa représentation : celle de l’humanité en tant que telle. Véritable mise à nu (selon l’étymologie grecque), l’Apocalypse ouvre au peintre les portes d’un miroir psychologique infini. Et de poser la véritable question de sens, intrinsèque à toute condition humaine, celle de l’existence. C’est pourquoi des églises romanes jusqu’aux artistes contemporains tels que Bacon ou Cattelan, non sans oublier les Expressionnistes, ce livre revisite l’esthétique de la souffrance à travers les plus beaux chefs-d’oeuvre.

Noche a noche, Alberto Sardiñas se convierte en el compañero de miles de personas que escuchan su programa radial. Sus fieles oyentes comparten con él historias de dolor y esperanza, a la espera de un consejo de amigo o una palabra de aliento. En El poder de tu historia, el autor combina los relatos más impactantes de su trayectoria radial con sus vivencias personales. Cada narración va seguida de lecciones aprendidas y ofrece un espacio para la reflexión y una ayuda para enfrentar los retos que se nos presentan a diario. Estas páginas, que surgen de la vida misma, reflejan el vínculo mágico entre nuestras vivencias comunes, y te invitan a encontrar en ellas el poder de tu historia.

Una niña deja su pueblo natal para ingresar a la escuela de ballet del Teatro Colón de Buenos Aires. Florencia Werchowsky narra con maestría la exigencia y el sacrificio que viven las bailarinas niñas. De la misma autora de "El telo de papá".

Una nena de once años deja su pueblo natal, en el sur argentino, para hacer el ingreso a la escuela de ballet del Teatro Colón. Su madre la acompaña y lleva con ellas zapatillas de punta de la bailarina que hubiera querido ser. Se instalan en un dos ambientes céntrico, impersonal, al que no pueden llamar hogar, y se adaptan a las exigencias de la nueva vida. Juntas elaboran una "personalidad porteña" y se acomodan a la rutina del ballet, que se presenta como una máquina de prohibir: el desarrollo del cuerpo, el deseo, los sentimientos, cualquier sensación ajena a la perfección.

He aquí una novela encantadora, que acaso sin pretenderlo es también una historia íntima sobre los últimos treinta años del teatro más importante del país y uno de los más hermosos del mundo. Tierna e intensa, la voz de la protagonista de Las bailarinas no hablan tiene la destreza de hipnotizar al lector más desprevenido.

La crítica ha dicho...

«La pericia narrativa de Florencia Werchowsky no radica solamente en esa mirada retraída y tímida, casi de acomplejamiento, que compone magistralmente una vez más; sino en la manera en que la emplea para trazar un retrato social por demás urticante y para lanzar una crítica política tan singular como poderosa.»

Martín Kohan

La negra Mercedes Sosa canta su biografía. A los 67, en el 2003, decidió
contar su vida. Como no quiso simularse escritora, la suya es una
biografía en voz alta.

«Mercedes Sosa. La Negra» es la edición definitiva de la única biografía
que se realizó con su palabra viva. Es así como, para un personaje
complejo y atípico, Rodolfo Braceli eligió un camino inusual. Todo su
bagaje de escritor, periodista, dramaturgo y poeta lo despliega en este
original libro desde y sobre Mercedes Sosa. Por un lado, el relato de la
suprema cantante-cantora es la columna vertebral. Por otro, emergen
voces: la de su madre y hermanos, la de su hijo y amigos.
Cada tanto aparecen, con sus recuerdos, figuras como León Gieco, Horacio
Molina, Víctor Heredia, Liliana Herrero, Carlos Alonso y Charly García.
Ellos completan el retrato de la otra Mercedes, la que estaba lejos de
las ovaciones y muy cerca de la gente.
No es todo: a la voz, por momentos en carne viva de la protagonista, se
suma en el montaje el relato de episodios dramáticos y memorables que
marcaron su vida y su carrera. Este libro que empezó a gestarse hace
casi medio siglo incluye infancia, adolescencia, despertar artístico,
amores y desamores, ideología, amenazas de muerte, censura y exilio,
glorioso retorno en el 82, consagración mundial, enfermedad con
apetencia de suicidio en el 97, testamento. Como escribió Liliana
Herrero: «Estamos ante una confesión pasional, pero también ante un
documento extraordinario. Ante un libro político y también profundamente
íntimo, público y privado, indispensable para contar la historia
cultural de este país».

September 4, 476 A. D. marked the end of the Western Roman Empire. After several centuries of prosperity, Europe sank into chaos. With Charlemagne, a new dynamic begins that of a civilising reconstruction. The Romanesque period is part of the rediscovery of this Roman Empire, lost in memories, but living on in the architectural testimonies of the cities and the countryside. In art history, Romanesque art refers to the period between the beginning of the 11th and the end of the 12th century. This era was characterised by a great diversity of regional schools, each practising their own unique style. In architecture as well as in sculpture, Romanesque art is marked by raw forms. Through its rich iconography and captivating text, this work endeavours to restore the importance of this art which is often overshadowed by the later Gothic style. Gothic art is defined by the powerful architecture of the cathedrals of northern France. It is a medieval art movement that evolved throughout Europe over 200 years. Abandoning curved Roman forms, the architects started using flying buttresses and pointed arches to open cathedrals to daylight. A period of great economic and social change, the Gothic era incorporated new iconography celebrating the Holy Mary — a drastic contrast to the dismal themes of Roman times. Full of rich changes in all of the various art forms (architecture, sculpture, painting, etc.), Gothic art paved the way for the Italian Renaissance and the International Gothic movement.

Una nueva y meditada reflexión sobre el arte, su historia y varios de sus protagonistas.

Picasso fue a visitar a Braque en su estudio. El pintor trabajaba un bodegón. De pronto el malagueño exclamó: «¡Pobre amigo! Veo una ardilla en tu lienzo». Braque respondió sorprendido: «No es posible». Picasso insistió: «Quizá sea una visión paranoica, pero veo una ardilla. El lienzo está destinado a ser un cuadro y no una ilusión óptica; la gente necesita ver algo en él. Tú representas un paquete de tabaco junto a una pipa, pero aparta de ahí esa ardilla». Braque llegó a ver la ardilla y luchó encarnizadamente con ella, hasta que, al fin, el tabaco, la pipa y los naipes se transformaron en un cuadro cubista.

Esta anécdota, apenas conocida, sirve a J. F. Yvars para dar título a esta nueva selección de textos. Insiste en el análisis de la obra de arte desde diferentes perspectivas y ayuda a descifrar el trabajo y lapersonalidad de figuras cardinales: Julio González, David Smith, Aby Warburg, entre otros.

¿Cómo era la ciudad donde se formó Carlos Gardel? ¿En qué consistió ese
fascinante y misterioso mundo urbano de principios del siglo XX? ¿Cómo
se construyó aquel universo cultural en el que llegaron a convivir el
tango y la ópera, el sainete y la zarzuela, los Podestá e Isadora
Duncan?

Entre 1870 y 1920 el traslado de una gran población europea y del
interior hacia Buenos Aires generó una ciudad cosmopolita donde tomó
relevancia el tema de la identidad nacional. En el campo musical, la
síntesis creativa fue el tango, y su forma cantada integró no solo una
forma nueva de interpretación, sino también una poética en gestación. El
mérito de este fenómeno correspondió esencialmente a Carlos Gardel. Pero
este artista es inseparable de una ciudad en construcción, en términos
infraestructurales y edilicios, sociales y estéticos. Este proceso es el
que ilustra el presente libro. A partir de allí, ya no hubo Buenos Aires
sin Gardel, quien la dotó de su máxima identidad musical y cultural.

Diez años después de la publicación de su aclamada Las rosas de piedra, Julio Llamazares concluye su recorrido por España y su historia a través de las catedrales.

«Llamazares deja constancia de lo que le ocurre a un viajero sin otra intención que disfrutar de su periplo. Las rosas del sur posee una fresca andadura narrativa.»
Santos Sanz Villanueva, El Cultural

Cuando se cumplen diez años de la publicación de su memorable Las rosas de piedra, Julio Llamazares concluye con este libro el que sin duda es el proyecto literario en español más importante de las últimas décadas: su recorrido por las setenta y cinco catedrales de España.

Como hicieran los viajeros de otra época, después de recorrer todas las del norte, el autor va de Madrid a las islas Canarias, pasando por Extremadura, Castilla-La Mancha, Levante, Andalucía y las Baleares, describiendo de manera minuciosa y con una mirada humanista -no exenta en ocasiones de ironía y crítica-, cada una de las catedrales erigidas en esta zona de la geografía española. Algunas de ellas son visitadas por él por primera vez; otras, redescubiertas. Pero en todas ellas Llamazares sabe hallar ese hilo que las une con las gentes que las visitan por turismo o devoción, por curiosidad o costumbre. Más allá de su esplendorosa arquitectura, estas fascinantes «rosas de piedra» se muestran, en el relato del viajero, como espejos en los que observar las relaciones que existen entre las personas y el paisaje a través del tiempo.

La crítica ha dicho sobre el autor:
«Llamazares es sobre todo un poeta; de hecho, el ritmo de su escritura en prosa es deudor de esa ambición de asociar las palabras (y la memoria, que es su fuente) con el ritmo; la música es consustancial con su narrativa, y eso le viene de la poesía.»
Juan Cruz, El País

«Julio Llamazares es,sin duda, uno de esos escritores que nos reconcilian con el ejercicio de la literatura.»
Aurelio Loureiro, Leer

«Julio Llamazares sigue siendo un escritor especial, alguien capaz de mirar el mundo de otra manera.»
El Correo Gallego

«Un escritor de su categoría podría redactar los anuncios por palabras de un periódico y seguirían siendo interesantes.»
Qué Leer

«[Llamazares] reitera que "no es una guía artística o arquitectónica" y sí "un viaje a la médula de un país que es un suma de países".»
Miguel Lorenci, El Norte de Castilla

Sobre Las rosas de piedra:
«Julio Llamazares es un verdadero viajero: persigue un objetivo y regresa enriquecido de él. Su peregrinación a través de las diferentes regiones de España supone una visión personalísima y una apasionante historia de arte. Un libro de viaje indispensable.»
Cees Nooteboom

«Un proyecto casi existencial, algo melancólico, de rescatede mundos que se apagan.»
Alejandro Gándara, El Mundo

«Llamazares siempre escribe igual cuando viaja, habría que añadir también que siempre escribe bien, sin arrogancia, desprejuiciadamente, con sentido del humor y con cariñosa indulgencia cuando retrata. Y tal vez sea ésa la clave [...]. El autor está enamorado de lo que describe y de lo que descubre.»
Andrés Barba, El Cultural

«A Julio Llamazares, uno de nuestros escritores más honestos y versátiles, le gusta echarse al camino y contarnos lo que ve, escucha y siente. [...] Sus relatos viajeros filtran una prosa muy singular, lírica y exacta a la vez, y son, a mi juicio, de lo mejor que se ha escrito en España desde los presupuestos del género.»
José Luis Argüelles, La Nueva España

«No es una guía de catedrales ni una guía de viajes, es literatura de viajes, un género dominado por Julio Llamazares.»
Francisco Moya, Literatura de viajes

Sobre Trás-os-Montes:
«Julio Llamazares recupera la imagen del viajero como figura literaria.»
Amelia Castilla, El País

En este libro presentamos la correspondencia epistolar del músico navarro Miguel de Irízar y Domenzain (1635-1684) conservada en el Archivo de la catedral de Segovia donde ejerció, aparentemente, su último magisterio antes de morir. Son un total de trescientas sesenta y dos cartas recibidas por este maestro de capilla, correspondientes al periodo de 1663 a 1684, con las que él formó cuarenta y cinco cuadernillos (legajo 18) donde fue escribiendo borradores tanto de sus obras como de otros músicos contemporáneos para su uso personal. El abanico cr de las cartas comprende el magisterio de capilla de Irízar en la colegiata de Vitoria años 1663 a 1671 y el de la catedral de Segovia desde 1671 a 1684. Esta correspondencia, ecibida durante veintiún años, es remitida por músicos como los maestros de capilla Pedro de danaz, Cristóbal Galán, Miguel Gómez Camargo, Ángel Guitarte, Cristóbal de Isla, Jacinto Antonio Mesa, Tomás de Micieces, Juan Navarro, Carlos Patiño, Juan érez Roldán, fr uan Romero, Matías Ruiz, Francisco Sanz, Gabriel de Sostre y Sola, Pedro de Soto, Miguel Tello, Alonso de Torices, Urbán de Vargas o Francisco Zubieta. También le escriben organistas como los hermanos Antonio y Bernardo Brocarte, Martín de Barasoain, Diego García Chamorro, Bartolomé Longas, Lucas Puyol, Lucas Rodríguez, Francisco Sanz de Tejada, José Solana o Francisco Ximénez; cantores como Juan de Chávarri, José de León, Francisco Lizondo, Manuel López de Mataúco, fr. Manuel de Mendoza, Muzquiz de Aránzazu, Juan Antonio de Odiaga, Domingo Ortiz de Zárate, Blas de Palacios, Juan Salvador, fr. José de Vaquedano, Andrés Velasco o Pedro Vetegón; los copistas Francisco ondo y fr. Domingo Ortiz de Zárate mantienen una fluida correspondencia sobre todo, las monjas músicas (desconocidas si no hubiéramos leído sus cartas) Herrera, Mariana de Jesús, discípulas de los maestros Barasoain, Marrodanto Petronila Pacheco, Josefa Salinas, Josefa Treviño y Francisca de Yoldi.
Esta correspondencia del músico Miguel de Irízar es la más numerosa, hasta ahora conocida, conservada de un maestro de capilla del barroco español. Sus trescientas sesenta y dos cartas constituyen una importante fuente documental de primera mano para el estudio de aspectos tan diversos como la constitución de las capillas, las andanzas de músicos de una ciudad a otra, el intercambio de composiciones entre maestros, la compra y venta de partituras a través de los copistas profesionales, los repertorios de los conventos de religiosas, o la enseñanza de las discípulas que se preparan para dirigir la capilla como monjas músicas con sus correspondientes salarios. Dada la diversidad de sus remitentes y sus contenidos estas cartas ofrecen a cualquier investigador ahondar en estos aspectos de la vida cotidiana
de un maestro de capilla español durante el último tercio del siglo XVII.

Nos encontramos inmersos en una era en la que imágenes de todo tipo nos rodean y emiten mensajes diversos que no siempre somos capaces de comprender. Ante esta situación se hace necesario retomar el control, desarrollar aptitudes para leer, analizar y crear imágenes. La comunicación visual engloba disciplinas relacionadas con la capacidad comunicativa de las imágenes, cuya relevancia es cada vez mayor frente a la comunicación escrita. Esta obra pretende dar un paso más y ofrecer una reflexión más profunda sobre una de las disciplinas que la conforman: la fotografía cinematográfica, indagando sobre su naturaleza técnico-expresiva.