La historia oral y coral definitiva del rock argentino: a través del testimonio de sus grandes protagonistas -de Charly, Fito y Spinetta a Cerati, Prodan, Vicentico, Ciro, Pity, Litto Nebbia, Lebón, Javier Martínez y 70 figuras más-, registrado a lo largo de numerosos programas producidos para la televisión de los años 80 por Daniel y Josi García Moreno, toma forma un relato extraordinario.

Pocas personas han hecho tanto por documentar el origen y el devenir del rock rioplatense -una historia que abarca ya más de cinco décadas- como los hermanos Dany y Josi García Moreno. A través de numerosos programas televisivos (Rocanrol, La Cueva, Quizás porqué), y documentales como 30 años de rock nacional, fueron creando un registro audiovisual extraordinario.

En las voces de decenas de artistas entrevistados para esas producciones y transcriptas en este libro, hoy toma forma una mirada múltiple y diversa sobre el movimiento y las circunstancias que debió atravesar en un mundo de inestabilidad institucional, prejuicios y grosera censura.

Una versión posible de qué es el rock argentino.
El relato coral de una historia única.

«A lo largo de décadas, Dany y Josi García Moreno y Eduardo Berti grabaron a todos, desde los pioneros hasta las nuevas generaciones. Realizaron reportajes memorables de enorme valor histórico y confesiones increíbles. Si alguien se tomara el trabajo de desgrabar, ordenar y dar forma a ese material, sería un libro formidable. Por suerte, Dany y su sobrina Majo (productora y periodista) se animaron a encararlo. Y este es el resultado».
Marcelo Fernández Bitar

«Hay algo fascinante en este collage: cada una de las voces habla desde un lugar diferente y desde un tiempo distinto. No solamente este libro no se hizo desde hoy, sino que se hizo desde múltiples pasados, lo que depara una suerte de caleidoscopio móvil (...), una banda sonora documental sobre la banda sonora musical de más de una generación. Una apasionante carambola a dos bandas».
Eduardo Berti

«Cuando apareció el rock en castellano fue un impacto extraordinario: ¿Cómo? ¿Se puede cantar rock en español?».
Javier Martínez

«Para nosotros naufragar era quedarnos de bohemia hasta las 8 o 9 de la mañana. Aparecía la gente que se iba a trabajar, que recién se levantaba, y nosotros que no nos habíamos acostado siquiera, éramos los sobrevivientes del naufragio».
Litto Nebbia

«Esa época, los años 70, era peligrosa y linda. Yo escuchaba la sirena y ya me ponía contra la pared porque pensaba que siempre era para mí. (Pero) nosotros éramos imparables, teníamos una misión».
David Lebón

«Yo creo en las cosas que transforman y creo que, de alguna manera, con mi música he transformado algunas pautas».
Spinetta

«Creo que los fans de Los Redondos no tienen la más puta idea de qué hablan las letras. Y así y todo, las cantan y se emocionan. Es el poder del arte».
Lito Vitale

«(En la música de Charly García) escuchás que la alegría no es solo brasilera por primera vez en la historia argentina. Porque parece que el único pulso vital que ha tenido Argentina ha sido el de la guerra, la sangre, las peleas estéticas y la tragedia. Y en Charly eso aparece como una cosa novedosa... la alegría. Es la idea más importante que veo en Charly y posiblemente en el rock».
Fito Páez

El Manual contiene un conjunto de canciones y ejercicios que han sido elaborados a la luz de necesidades pedagógicas en la enseñanza de la lectura musical y práctica auditiva de nivel básico. Cada canción genera un módulo de trabajo con contenidos preferentemente rítmicos y melódicos posibles de ser abordados en etapas. Ambos aspectos, en ocasiones combinados con otros elementos musicales, se presentan integrados en la canción y están trabajados en los ejercicios preparatorios. Los textos de los ejercicios rítmicos corresponden a extractos de poemas de artistas hipanoamericanos, tales como: Vicente Huidobro, Gabriela Mistral, Violeta Parra, Nicolás Guillén, Federico García Lorca y Rafael Alberti, entre otros. La presente edición ha sido revisada incorporando algunos cambios: inclusión de una segunda voz a algunas canciones, a los ejercicios rítmicos y melódicos; trabajo del texto en los ejercicios rítmicos que inicie al estudiante en la textura polifónica; intercalación de secciones instrumentales en algunas canciones; un anexo con ejercicios adicionales para realizar aplicando las actividades sugeridas en los módulos, las que además tienen la función de ser orientaciones metodológica en el abordaje de los contenidos.

La guía definitiva para conocer los lugares históricos del rock de la Ciudad de Buenos Aires: más de cien recorridos por casas, estudios de grabación, plazas, bares, estadios y teatros donde se creó el rock argentino.

Los primeros rockeros argentinos tomaron la música que llegaba de Estados Unidos y, fundamentalmente, de Inglaterra para moldear un sonido propio -y un mensaje claro y único a partir de componer las letras en su idioma-, que convirtió a Buenos Aires, década tras década, en la ciudad de habla hispana más importante del movimiento.

Esta guía conduce a más de cien lugares en los que se desarrolló y vibra la historia del rock argentino: casas, estudios de grabación, plazas, bares, estadios, teatros, donde se compusieron canciones inmortales, se grabaron discos eternos, se formaron bandas legendarias o se produjeron actuaciones inolvidables.

¿En qué lugar de Buenos Aires Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota presentaron Oktubre? ¿Dónde hizo su primer show Soda Stereo? ¿En qué espacio mítico Tanguito compuso "La balsa"? ¿Cómo ubicar los escenarios de los recitales más emblemáticos de Charly García? ¿Dónde queda el que fue el bar favorito de Luca Prodan? ¿Cuáles son los sitios que recuerdan a Luis Alberto Spinetta?

También están aquí aquellos lugares relacionados con los artistas extranjeros que visitaron la ciudad: Queen, Nirvana, Paul McCartney, David Bowie, The Rolling Stones, entre muchos otros.

Con lenguaje directo e información completa y actualizada, la guía se organiza por barrios y detalla cómo llegar a cada lugar. También descubre sitios y artistas no tan conocidos. Se trata de un recorrido fascinante por espacios, personas y sucesos que inspiraron a millones; lugares bellos por sí mismos o por lo que se creó allí, sin olvidar, por ejemplo, aquel donde se produjo la tragedia más grande relacionada con la música en la ciudad.

Concepción y la música siempre han estado relacionados. Una historia que comenzó hace tres décadas y que la ha hecho tener un reconocimiento a nivel nacional, con un especial énfasis en su aporte al rock chileno.
A través de estas páginas, se estructura la historia musical de Concepción con algunas de las herramientas vigorosas del periodismo: La entrevista, la crónica de ambiente, el perfil humano, lo informativo y la investigación. El dato duro trabajado con años de tarea silenciosa que alimentó un archivo hasta ahora disperso. Ahora aquí se articula con una narrativa simple y directa. 

Bob Dylan y Leonard Cohen transformaron el arte de leer la música, escuchar la literatura y escribir la historia.

La década de los 60, que los vio nacer como artistas, los convirtió en voceros involuntarios de una generación privada de derechos, desconcertada y desilusionada del mundo, consternada por la guerra y el fascismo.

Este fascinante retrato político, cultural, artístico y psicológico de estos escritores e intérpretes icónicos muestra cómo se convirtieron en los maestros de la expresión emocional, en una brújula de los poetas beat, cómo se revolucionaron a sí mismos y a una generación en busca de sus sueños.

Sin Dylan, anota Boucher, «es inconcebible que los Beatles hubieran desarrollado más allá de las canciones trilladas y vibrantes de los años 60, o que David Bowie llevara la narrativa de la canción a nuevas alturas». Y Cohen «fue el beneficiario de esta liberación, llevando la seriedad a nuevos límites».

Una historia social de España a través de sus canciones más famosas.

¿Qué dicen de nosotros las canciones que escuchamos?

¿Se puede contar la historia de un país a partir de su música?

Este personal ensayo recorre la historia cantada del siglo XX español hasta 1976. Las canciones del momento se convierten en el mejor atajo para entender y sentir cómo fue el mundo y la vida de nuestros padres y de nuestros abuelos.

«La vaca lechera» nos habla del hambre de la posguerra, «Tatuaje» o «La Bien Pagá» del corsé represivo del nacionalcatolicismo, «Ay, Carmela» o el «Cara al sol» guardan los sentimientos encontrados de la Guerra Civil. Paco Ibáñez, Chicho Sánchez Ferlosio, Serrat y también Mari Trini o José Luis Perales muestran en su repertorio la evolución de las ideas y la modernización de las costumbres, mientras que la rumba ofrece la mejor síntesis de la mestiza identidad española. De «Ojos verdes» a «La chica yeyé», de «El porompompero» a «Palabras para Julia», de «Cambalache» a «Mi casita de papel», de «Yo no soy esa» a «¿Y cómo es él?», de «Alfonsina y el mar» a «L'estaca», de «Libertad sin ira» a «El lago», más de doscientos grandes éxitos nos revelan en estas páginas qué fue del amor, de la lucha política, del papel de la mujer, de la memoria familiar, de los usos y funciones de la música, de las drogas, del problema de la vivienda o de la evolución tecnológica.

¿Qué me estás cantando? es el libro que reúne a tres generaciones en torno a la música.

Teatros repletos, giras por el país y aplausos extranjeros no fueron suficientes para que varios boleristas populares chilenos tuvieran en los años cincuenta y sesenta el reconocimiento merecido. Su éxito era prueba viva de un fenómeno, pero de este casi no quedan registros. Impecables como intérpretes, su repertorio romántico destemplado —con citas a la muerte, la consolación de bar y la desesperanza a la que puede arrastrarnos una pasión— les granjeó el afecto sincero de su audiencia, mas nunca el orgullo de los medios ni la consideración de los especialistas. Se les llamó, con desprecio, «cebolleros». Cantantes como Ramón Aguilera, Rosamel Araya, Luis Alberto Martínez, Lucho Barrios y Jorge Farías debieron cargar durante gran parte de su trayectoria con un mote de estigma público, que pasó por alto el enorme valor de su cuidado estilo en la interpretación de boleros y valses peruanos. Fue como si su canto quedase relegado al disfrute privado, casi en secreto; a resguardo de prejuicios instalados sobre melodrama, cursilería y el límite de la expresión sentimental en público. “Llora, corazón” sigue la historia de esos muchos cantores apasionados, que acompañaron el ritmo sentimental del Chile de la segunda mitad del siglo XX, y cuyas grabaciones han influido profundamente la canción popular local hasta hoy. Este recorrido de crónica periodística, el primero que merece el género, retrata una intimidad de esforzado compromiso con la música, ajeno a los complejos de clase sobre buen y mal gusto, y cómplice del entusiasmo transversal al reconocerlo y cantarlo.

Martha Argerich, Daniel Barenboim y Bruno Gelber, tres de los más
grandes pianistas de todos los tiempos, son el símbolo de una época de
oro en la Argentina. Este libro reconstruye en textos, entrevistas,
imágenes y testimonios ese país de vocación universal en el que se
formaron estos genios en su edad temprana.

En los años 40 y 50, Buenos Aires era un gran centro musical frecuentado
por las figuras más rutilantes del mundo. En ese entonces, Bruno Gelber,
Martha Argerich y Daniel Barenboim hacen su debut en el piano y se
perfilan como verdaderas leyendas de la música clásica. Son tres niños,
de alrededor de siete años, que comparten la formación musical en esa
época de oro, nutriéndose de la vocación universal de una Argentina
próspera.
Este libro se interna en la niñez de estos genios: el amor perfecto por
la música, la inagotable fortaleza de los padres, las batallas contra
los miedos, los sueños y los esfuerzos realizados hasta levantar vuelo.
También recrea el entusiasmo de una sociedad que supo compartir la
música en inolvidables tertulias de salones porteños, en transmisiones
de radio, y en las irrepetibles temporadas del Teatro Colón, con
artistas extranjeros que poblaron la vida musical de Buenos Aires.
Entre la crónica periodística y la biografía íntima delineada a partir
de textos, testimonios y entrevistas, En la edad de las promesas no
sigue un recorrido previsible de la historia de estos grandes artistas.
Cecilia Scalisi construye, con precisión histórica, estilo cuidado y
sorprendente emotividad, un relato que, casi como en una novela, sumerge
al lector en un pasado deslumbrante que cobra vida con estos tres genios
de la cultura argentina, retratados en el escenario de su infancia.

Piazzolla. El mal entendido es la biografía definitiva de uno de los compositores de tango más importantes del mundo. La vida y la obra de Astor Piazzolla transcurrieron entre su demonización y el asombrado reconocimiento. Fue el emblema sonoro de una ciudad que buscaba estar a tono con su tiempo y sus aspiraciones.

A un siglo de su nacimiento, esta nueva edición de Piazzolla. El mal entendido recupera la trama artística, cultural y política que acompañó al bandoneonista desde su aparición fulgurante junto a Aníbal Troilo hasta su inserción internacional más allá del tango. El ensayo intenta ser un puente crítico de acercamiento a una música que no deja de abrirse a nuevos sentidos y reflexiones.

"Este libro siempre ha tratado de ser un puente (uno más) con aquello que nos legó Piazzolla, un modo reflexivo de acercamiento a lo que, primero, llegó como una vibración: el aire de Buenos Aires en movimiento", dicen Fischerman y Gilbert.

En este primer volumen de la colección Música viva, el lector encontrará diferentes estudios relativos a la presencia de elementos populares en las diversas modalidades de música incidental, desde el tradicional teatro hasta los modernos formatos televisivos, pasando por la música cinematográfica. Se interpreta aquí el término «popular» en un sentido amplio, que engloba tanto la herencia folklórica como los estilos vinculados a la cultura de masas y los modernos medios de comunicación.
Los contenidos están organizados en dos grandes bloques. El primero está dedicado al ámbito español y los capítulos que lo componen dividen equilibradamente su atención al cine y a la televisión. Para empezar, un estudio de conjunto en torno a la música cinematográfica durante el franquismo, al que sigue una investigación sobre el catálogo musical de Augusto Algueró, autor representativo de dicho periodo. A continuación, un acercamiento al entorno sonoro de las modernas series televisivas de ficción, para seguir con un análisis sobre el trabajo del reconocido compositor José Nieto en el terreno de las series documentales. El siguiente capítulo, que muestra el examen que un compositor actual hace sobre su trabajo como autor de una banda sonora para una película de cine mudo, sirve de nexo entre la primera y la segunda parte, dedicada al medio internacional.
Los tres capítulos que inician este segundo bloque trasladan el centro de atención a Nueva York durante las primeras décadas del siglo xx. Dos de ellos abordan diferentes aspectos de la carrera del musicólogo y compositor Kurt Schindler (1882-1935), tomando como base documentación inédita procedente de la «New York Public Library»: en primer lugar, el papel que juega como divulgador de las vanguardias europeas con su particular visión de «Le Martyre de Saint Sébastien» de Debussy; en segundo lugar, su labor compositiva en dos importantes teatros de Manhattan. El tercero está dedicado a las comedias políticas que Gershwin escribió para la escena de Broadway durante los años treinta.
Cierran el libro dos trabajos que siguen la estructura de los capítulos iniciales, pasando de lo general a lo particular. El primero estudia la popularización de la música clásica a través de los modernos medios audiovisuales; el segundo examina la pluralidad de estilos musicales existentes en un largometraje italiano de dibujos animados de los años cuarenta.
Se trata, en definitiva, de una publicación de interés para el estudioso, considerando la cantidad de trabajos sobre material inédito que incluye, si bien resulta asimismo asequible para el lector aficionado, teniendo en cuenta los aspectos relativos a la cultura actual que se tratan en sus páginas.

Con cientos de millones de discos vendidos y una asombrosa capacidad para conectar con la gente, Phil Collins marcó una época en la música pop. Aún no estoy muerto es su autobiografía.

«Tal vez seas un admirador o tal vez te pique la curiosidad sobre ese pesado que no dejaba de salir en las listas de grandes éxitos hace unos treinta años# En cualquier caso, te doy la bienvenida».
Phil Collins

En Aún no estoy muerto Phil Collins nos ofrece una crónica sincera, ocurrente y sin pelos en la lengua de las canciones y los conciertos, los éxitos y los patinazos, los matrimonios y los divorcios, su irrupción en las listas de éxitos y en las portadas de los tabloides. Collins, uno de los tres músicos que ha vendido más de cien millones de discos tanto como integrante de un grupo como en solitario, no ha perdido ni al llegar a lo más alto el talento para crear canciones que emocionan al público de todo el mundo.

Esta es la historia de una trayectoria épica, la de un niño actor que se convierte en uno de los compositores más exitosos de la época del pop. Collins empezó a tocar la batería casi antes de dar sus primeros pasos y aprendió el oficio en los sórdidos y apasionantes bares y clubes nocturnos del Londres de los alocados años sesenta, antes de hacerse con el puesto de batería de Genesis. Con el tiempo daría un paso al frente como cantante tras la marcha de Peter Gabriel y compondría las canciones que lo catapultarían a la fama internacional en solitario con el lanzamiento de Face Value e In The Air Tonight.

Tanto cuando toca junto a Eric Clapton o Robert Plant como cuando forma una orquesta de jazz con Tony Bennett al frente, actúa por partida doble en el Live Aid o compone la oscarizada música de la exitosa Tarzán de Disney, Collins mantiene un tono íntimo y su don para contar historias no decae jamás.

El segundo poemario de Pablo Pérez Rueda, más conocido como Blon, reflexiona sobre los matices positivos o negativos que se encuentran en cada sentimiento, en cada realidad.

Si miras un mismo objeto desde la oscuridad o desde la luz quizá lo que tu ojo perciba se transforme de maneras inesperadas, como cuando éramos niños y un simple perchero sombrío podía convertirse en un monstruo. ¿Qué parte de la realidad es objetiva y qué parte depende de la mirada con la que la apreciamos, de lo sombrío o lo luminoso que sea el espacio que la rodea?

Pablo Pérez Rueda, más conocido como Blon, consolida su voz en este segundo poemario, que habla sobre lo relativo, o más bien sobre las múltiples visiones que el ser humano puede tener acerca de un mismo concepto y que, sorprendentemente, viajan desde un extremo al otro, haciendo que una cosa pueda contener en sí misma significados inversos.