Al analizar las tensas relaciones entre producción cultural, capitalismo y ciertas ideologías actuales, Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presente y una original mirada al arte contemporáneo.

«La gracia del arte radica en que es la actividad libre por excelencia. Pero esta actividad libérrima y creativa ha sido rondada permanentemente por dos amantes peligrosas. La política y el capitalismo han tratado de multiplicar sus fuerzas fundiéndose con ella.»

Comerciantes de arte roban paredes y puertas con obras de Banksy, un festival erótico disecciona los males políticos de España para estimular el consumo de pornografía, un autobús tránsfobo hace las veces de instalación itinerante, se estetiza el espacio público en Cataluña para hacer invisible al adversario... En los últimos años la cultura ha trabado una relación asfixiante con el capitalismo y con la política. Pareciera que el destino de toda expresión artística es acabar convertida en una mercancía cultural, en un incentivo para el turismo o en un arma estratégica en las batallas ideológicas.

Este estupendo ensayo examina las tensiones entre la cultura, el mercado y el populismo contemporáneo. Carlos Granés ofrece un certero diagnóstico del presente y nos muestra con contundentes ejemplos el modo en que, paradójicamente, mientras el arte se vuelve políticamente correcto y renuncia a las estrategias de la vanguardia, la política opta por tácticas transgresoras y escandalosas para captar la atención del otro.

La crítica ha dicho...
«Granés vuelve a dar en el clavo con un ensayo capaz de captar la atención del lector sobre un tema de actualidad y enorme alcance.»
Forbes

«Ameno y riguroso ensayo sobre la liaison de la cultura, el capitalismo y la política.»
Sergi Doria, ABC

«Carlos Granés lee la actualidad política en clave cultural, y viceversa, para intentar desenmarañar un poco este presente agitado y convulso en el que las certezas duran menos que un tuit. [...] Un ensayo ácido que lo mismo la toma con el dadaísmo que con el procés catalán, dos realidades delirantes a partes iguales.»
Bruno Pardo Porto, ABC

«Un escritor brillante y perspicaz. [...] Este libro es una magnífica advertencia ante las tentaciones utópicas, los sueños revolucionarios y el romanticismo desatado. De todo ello están hechas nuestras vanguardias, tanto en el Congreso como en el museo.»
Ramón González Férriz, El Confidencial

«La política se vuelve vocinglera y el capitalismo vira a lo correcto. [Esta novela] pone en limpio lo que parece inconexo.»
Manuel Llorente, El Mundo

«No creo que nadie haya trazado un fresco tan completo, animado y lúcido sobre todas las vanguardias artísticas del siglo XX. Lo he leído con la felicidad y la excitación con que leo las mejores novelas.»
Mario Vargas Llosa, sobre El puño invisible

Manet es uno de los artistas más famosos de la segunda mitad del siglo XIX, ligado por lo general a los impresionistas, aunque en realidad no era uno de ellos. Tuvo gran influencia en la pintura francesa, en parte por la elección de sus temas, que sacaba de la vida cotidiana, pero también por el uso de los colores puros y por su técnica rápida y libre. En su propia obra se materializó la transición entre el realismo de Courbet y los impresionistas. Nació en la alta burguesía, decidió convertirse en pintor después de no haber podido ingresar en la Academia Naval. Estudió con Thomas Couture, un pintor de la Academia, pero fue gracias a los numerosos viajes que realizó por Europa desde 1852 que comenzó a establecer lo que se convertiría en su propio estilo. Sus primeras pinturas fueron sobre todo retratos y escenas de género, inspiradas por su amor por los maestros españoles como Velázquez y Goya. En 1863 presentó su obra maestra Desayuno en la hierba en el Salon des Refusés. Su obra comenzó una lucha entre los defensores del arte académico y los jóvenes artistas “refusés” (rechazados). Manet se convirtió en líder de esta nueva generación de artistas. Desde 1864, el Salón oficial aceptó sus pinturas, que todavía causaban fuertes protestas por obras como Olimpia en 1865. En 1866, el escritor Zolá publicó un artículo en el que defendía la obra de Manet. Por aquel entonces, Manet era amigo de todos los futuros maestros del impresionismo: Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro y Paul Cézanne; influyó en el trabajo de todos, aunque no se le puede considerar estrictamente como uno de ellos. De hecho, en 1874 se negó a presentar sus pinturas en la primera exhibición impresionista. Su última aparición en el Salón oficial fue en 1882, con La barra del Folies-Bergère, una de sus pinturas más famosas. Aquejado de gangrena en 1883, pintó naturalezas muertas con flores hasta que estuvo demasiado débil para trabajar. Murió dejando un legado de gran cantidad de dibujos y pinturas.

Katsushika Hokusai ist ohne Zweifel der seit der Mitte des 19. Jahrhunderts im Westen berühmteste Künstler Japans. Die Werke Hokusais spiegeln die künstlerischen Ausdrucksformen einer isolierten Kultur wider. Gleichzeitig war er einer der ersten japanischen Künstler, der in Europa Bekanntheit erlangte und großen Einfluss auf impressionistische und postimpressionistische Maler wie etwa Vincent van Gogh ausübte. Hokusai galt schon zu seinen Lebzeiten als ein Meister der Kunst des Ukiyo-e. Er fasziniert uns noch heute mit der Vielfalt und Bedeutung seines in diesem Buch in seiner gesamten abwechslungsreichen Breite präsentierten, fast neunzig Jahre umfassenden Werkes.

In 1905 Georgia travelled to Chicago to study painting at the Art Institute of Chicago. In 1907 she enrolled at the Art Students’ League in New York City, where she studied with William Merritt Chase. During her time in New York she became familiar with the 291 Gallery owned by her future husband, photographer Alfred Stieglitz. In 1912, she and her sisters studied at university with Alon Bement, who employed a somewhat revolutionary method in art instruction originally conceived by Arthur Wesley Dow. In Bement’s class, the students did not mechanically copy nature, but instead were taught the principles of design using geometric shapes. They worked at exercises that included dividing a square, working within a circle and placing a rectangle around a drawing, then organising the composition by rearranging, adding or eliminating elements. It sounded dull and to most students it was. But Georgia found that these studies gave art its structure and helped her understand the basics of abstraction. During the 1920s O’Keeffe also produced a huge number of landscapes and botanical studies during annual trips to Lake George. With Stieglitz’s connections in the arts community of New York – from 1923 he organised an O’Keeffe exhibition annually – O’Keeffe’s work received a great deal of attention and commanded high prices. She, however, resented the sexual connotations people attached to her paintings, especially during the 1920s when Freudian theories became a form of what today might be termed “pop psychology”. The legacy she left behind is a unique vision that translates the complexity of nature into simple shapes for us to explore and make our own discoveries. She taught us there is poetry in nature and beauty in geometry. Georgia O’Keeffe’s long lifetime of work shows us new ways to see the world, from her eyes to ours.

Dürer is the greatest of German artists and most representative of the German mind. He, like Leonardo, was a man of striking physical attractiveness, great charm of manner and conversation, and mental accomplishment, being well grounded in the sciences and mathematics of the day. His skill in draughtsmanship was extraordinary; Dürer is even more celebrated for his engravings on wood and copper than for his paintings. With both, the skill of his hand was at the service of the most minute observation and analytical research into the character and structure of form. Dürer, however, had not the feeling for abstract beauty and ideal grace that Leonardo possessed; but instead, a profound earnestness, a closer interest in humanity, and a more dramatic invention. Dürer was a great admirer of Luther; and in his own work is the equivalent of what was mighty in the Reformer. It is very serious and sincere; very human, and addressed the hearts and understanding of the masses. Nuremberg, his hometown, had become a great centre of printing and the chief distributor of books throughout Europe. Consequently, the art of engraving upon wood and copper, which may be called the pictorial branch of printing, was much encouraged. Of this opportunity Dürer took full advantage. The Renaissance in Germany was more a moral and intellectual than an artistic movement, partly due to northern conditions. The feeling for ideal grace and beauty is fostered by the study of the human form, and this had been flourishing predominantly in southern Europe. But Albrecht Dürer had a genius too powerful to be conquered. He remained profoundly Germanic in his stormy penchant for drama, as was his contemporary Mathias Grünewald, a fantastic visionary and rebel against all Italian seductions. Dürer, in spite of all his tense energy, dominated conflicting passions by a sovereign and speculative intelligence comparable with that of Leonardo. He, too, was on the border of two worlds, that of the Gothic age and that of the modern age, and on the border of two arts, being an engraver and draughtsman rather than a painter.

El modelo H2PAC resuelve propuestas clave a partir de ACTIVIDADES. Esta forma de aprendizaje parte de un RETO: la actividad que deberás resolver. Para ello te facilitamos un contenido teórico, EL CONOCIMIENTO IMPRESCINDIBLE, que te ayudará a entender los conceptos esenciales para poder afrontar el desafío planteado inicialmente. Además del contenido teórico, el modelo también te facilita LAS SOLUCIONES, una propuesta de resolución del reto expuesto. En este libro se pretende proporcionar conocimiento para el análisis de las narraciones que nos rodean en diferentes medios, ejemplificándolo con el análisis de la narración en un vídeo musical, y a partir de conocimientos teóricos consolidados en diferentes disciplinas.

Novela polifónica, verdadera construcción literaria —Vicente Leñero era ingeniero civil de profesión—, Los albañiles, piedra angular de la producción de uno de los grandes autores mexicanos del siglo XX, le valió el Premio Biblioteca Breve en 1963 y con ello el reconocimiento que necesitaba para decidirse a hacer una carrera en las letras.   El asesinato de un viejo velador de una obra en desarrollo desata una pesquisa que revelará mucho más que al culpable, en una narración que captura comportamientos, modos de hablar y rasgos sociales de una época que aún no ha sido del todo superada.                                                                                                               Metáfora monumental llevada al cine y al teatro, Los albañiles es ya un clásico de la literatura nacional; puerta de cierta modernidad en la narrativa, destacan en ella los temas del poder, la desigualdad social y la naturaleza humana ante la alienación de las grandes ciudades, en un México que creía ascender materialmente antes de cuestionar sus propios fundamentos estructurales.

"El administrador le entregó la correspondencia. Metió el resto en el saco y lo volvió a cerrar. El médico se dispuso a leer dos cartas personales. Pero antes de romper los sobres miró al coronel. Luego miró al administrador. —¿Nada para el coronel? El coronel sintió el terror. El administrador se echó el saco al hombro, bajó al andén y respondió sin volver la cabeza: —El coronel no tiene quien le escriba." Breve obra maestra, esta desolada novela corta ha sido reconocida como el primer triunfo en la trayectoria narrativa de Gabriel García Márquez. Tocada apenas por la fantasía, la historia del coronel veterano de una guerra concluida quince años atrás, quien espera la pensión que habrá de sacarlo de la miseria junto a su esposa enferma, es un profundo canto de esperanzas perdidas que nos sumerge en la atmósfera opresiva de un tiempo ya ido, cuando América Latina emergía apenas a la modernidad entre los restos humeantes del siglo XIX.

Dino -un dinosaurio- y su pequeña hija Laura -una

humana- conversan sobre diversos temas, como la pizza,

los monstruos, la muerte, el gobierno, los regalos..., y nos

transmiten que donde hay ingenuidad, también puede

haber sabiduría, y viceversa.

Dino (un dinosaurio) y su pequeña hija Laura (una humana) conversan sobre diversos temas, como la pizza, los monstruos, la muerte, el gobierno, los regalos, y nos transmiten que donde hay ingenuidad, también puede haber sabiduría, y viceversa.

«Apenas aparece un hijo en la vida, un espacio incierto y maravilloso se despliega en medio de nuestros afectos. Laura y Dino es la forma que encontró Alberto Montt para mostrarnos que a veces los padres tenemos más preguntas y temores que los hijos, y los hijos, mejores respuestas que los padres.»

Francisco Javier Olea

Un día, a principios del año 2009, Joaquín Sabina y Benjamín Prado decidieron irse a Praga a escribir canciones y siete meses después habían acabado el disco Vinagre y rosas.

Este libro cuenta esa aventura que fue puro rock and roll, llena de versos y versos tachados, chicas que vienen y que se van, viajes, música, alcohol, risas y, sobre todo, lleno de una amistad sin fronteras ni direcciones prohibidas. Y también nos deja ver los talleres de cada canción y nos hipnotiza haciéndonos mirar las vueltas que dieron todas ellas antes de quedar acabadas.

Benjamín Prado rememora en Romper una canción la intensidad de aquellos meses de trabajo en los que Sabina y él pelearon a muerte por cada palabra y llegaron a lograr una combustión y una simbiosis tan profundas que hoy día ninguno de ellos sabe quién escribió qué, porque no hay una coma sin negociar en todo el disco. Así se escribió Vinagre y rosas.

Amantes del arte, escépticos y desconcertados: esta historia del arte moderno es para vosotros

¿Qué es el arte moderno? ¿Por qué se ama o se odia? ¿Y por qué es siempre tan exageradamente caro?

Will Gompertz, director de Arte de la BBC, exdirector de la Tate Gallery de Londres y uno de los mayores expertos del mundo, ha escrito una deslumbrante guía que cambiará para siempre la manera en que miramos el arte contemporáneo. Desde los nenúfares de Monet hasta los girasoles de Van Gogh, pasando por las latas de sopa de Warhol y los tiburones en formol de Hirst, este libro nos descubre la historia que hay detrás de las obras, las personas que hay detrás de los artistas y la verdadera magia que esconde el arte moderno.

Dirigido tanto a escépticos como a convencidos, ¿Qué estás mirando? resuelve todas las preguntas que siempre nos planteamos y nunca nos atrevimos a hacer. En un sorprendente recorrido por los últimos ciento cincuenta años del arte salpicado de reveladoras anécdotas, Gompertz nos explica en qué consiste la genialidad de Pollock o Cézanne, cómo un urinario cambió el curso de la historia o por qué nuestro sobrino de cinco años realmente no lo haría igual. Original, irreverente y muy accesible, este libro rompe con mitos y prejuicios y hará que nuestra próxima visita a un museo sea menos intimidante y mucho más apasionante.

La crítica ha dicho:
«Will Gompertz [...] un tipo singular. Rápido como la sangre. Y de algún modo un defensor de la claridad en un territorio de opacidades. Entra en faena desde un libro lúcido que tiene algo de síntesis mental de lo complejo. [...] una exploración que desacraliza con audacia e ironía tanto el cuello duro de la crítica de arte, a la vez que hace su propia crítica desde la orilla de la claridad.»
Antonio Lucas, El Mundo

«Es tan provocador, irreverente, irónico, divertido y políticamente incorrecto como muchos de los artistas de los que habla. Gompertz da un buen repaso (en todos los sentidos) al arte moderno y contemporáneo. Su visión del mundo del arte es inteligente, salpimentada con buenas dosis de humor.»
Nati Pulido, ABC

«Tanta contundencia en las opiniones proviene de Will Gompertz, director de arte de la BBC y considerado una autoridad mundial en el arte moderno y contemporáneo. [...] En realidad, el libro requiere algo más que un simple pestañeo. Se lee más bien como un completo y ameno manual de 472 páginas.»
Ángeles García, El País

«Para salvar la brecha que separa a muchos visitantes de los objetos que contemplan, Gompertz ha escrito precisamente ¿Qué estás mirando?, un ameno recorrido por la creación moderna para que la comprenda todo el mundo.»
Javier Ors, La Razón

«Will Gompertz es de esa estirpe de profesionales que, porque de verdad saben, no necesita demostrar nada. Aúna sencillez, falta de afectacióny hondura, con lo que alimenta en quien le escucha la sensación de que en cada una de sus palabras hay un poso de sabiduría. [...] ¿Qué estás mirando?, un texto original, irreverente y muy accesible que, dirigido tanto a escépticos como a convencidos, resuelve una buena porción de esas preguntas que muchos se plantean y pocos se atreven a formular.»
Hoyesarte.com (10,490 Traffic Rank en España, Alexa)

Un libro une la vida de varios personajes femeninos a través del tiempo. La historia comienza con la joven que lo escribe a comienzos del siglo XIX. A partir de ahí un ejemplar irá pasando por diferentes mujeres hasta llegar al presente. Todas interactúan con el libro y dejan su huella en él, pero leerlo también las transforma a ellas. Una metáfora del amor por los libros y de la magia de la literatura contada a través de unos personajes fuertes y carismáticos que se rebelan ante los convencionalismos de su época. Si es cierto que un libro puede transformarte la vida, tal vez El legado de Catherine Elliot cambiará la tuya