La fachada de la Universidad de Salamanca es una presentación alegórica de un programa político: una glorificación de Carlos V como emperador del Sacro Imperio Romano, fundado por Carlomagno para la Renovatio imperii romani. El programa es de cancillería, concretamente del canciller Gattinara. Por eso, el paño central ostenta las armas del Imperio: efigie del Emperador, águila bicéfala y blasón de Carlos V, y las de España: águila de san Juan y Reina Juana, subrayando así la filiación española del Emperador a través de su madre Juana y de sus abuelos los Reyes Católicos. En el cuerpo alto, con Venus, madre de los Césares, los héroes legendarios de la Antigüedad funcionan como modelos ofrecidos al que está llamado a ser el nuevo Augusto, héroe de la Pax Cristiana. La escalera, por su parte, está marcada por el signo del Toisón de Oro. En una ascensión purificadora presentada en tres tramos o etapas, ofrece el ideal caballeresco de perfeccionamiento moral cristiano y exigencia de superación de sí mismo. Mediante Imperio y Toisón se expresa la ideología política, moral y religiosa de Carlos V, en definitiva, las dos facetas dominantes de su personalidad. El título, Un imperio mítico, caracteriza el imperio de Carlos, emperador mesiánico, que concentra en su persona todos los sueños dorados de sus contemporáneos: sueños de unidad del mundo en una paz cristiana universal.

[ES] El presente trabajo analiza el impacto literario del mito de Greta Garbo desde una óptica panhispánica. Aborda no sólo su constitución en mito como una unidad de significado organizada por el hecho fílmico y cinematográfico, sino también por la literatura. Se ha dividido en distintos modelos, conformados por aportaciones de las teorías fílmicas y literarias focalizadas en su mayor parte en los procesos de recepción. Aunque se ha mantenido la especificidad de los códigos que forman parte del mito, se trazan convergencias entre ellos al tratarse de una realidad intersemiótica. Para ello, se ofrece un recorrido crítico de los textos desde la estética de la recepción, la semiótica, la narratología, la teoría de los polisistemas y la iconología, además de las teorías de los géneros literarios y cinematográficos. Se constata que el mito, especialmente el que surge en la cultura de masas, exige la proximación comparatista, trasversal e interdiciplinar de los distintos discursos y artes. Ello demuestra la vigencia del mito en la literatura contemporánea.
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[EN] This thesis analyses the literary impact of the myth of Greta Garbo from a panHispanic perspective. As a starting point, the constitution of film and cinematographic myth in literature is explained, and subsequently different models are applied based on film and literary theories that primarily address reception. Since we are dealing with an inter-semiotic reality, convergences are drawn among the different codes describing the myth. To do so, a rich corpus of texts has been studied (novels, stories, poems, microstories, hybrids) from the point of view of the aesthetics of reception, semiology, narratology, theory of polysystems and iconology. Also explored is the notion of literary and film genre. It was found that myth, especially when emerging from mass culture, requires a comparative, cross-sectional and interdisciplinary approach involving different discourse and arts. Furthermore, the general validity of myth is demonstrated in both Spanish and Latin American contemporary literature.

En este libro presentamos la correspondencia epistolar del músico navarro Miguel de Irízar y Domenzain (1635-1684) conservada en el Archivo de la catedral de Segovia donde ejerció, aparentemente, su último magisterio antes de morir. Son un total de trescientas sesenta y dos cartas recibidas por este maestro de capilla, correspondientes al periodo de 1663 a 1684, con las que él formó cuarenta y cinco cuadernillos (legajo 18) donde fue escribiendo borradores tanto de sus obras como de otros músicos contemporáneos para su uso personal. El abanico cr de las cartas comprende el magisterio de capilla de Irízar en la colegiata de Vitoria años 1663 a 1671 y el de la catedral de Segovia desde 1671 a 1684. Esta correspondencia, ecibida durante veintiún años, es remitida por músicos como los maestros de capilla Pedro de danaz, Cristóbal Galán, Miguel Gómez Camargo, Ángel Guitarte, Cristóbal de Isla, Jacinto Antonio Mesa, Tomás de Micieces, Juan Navarro, Carlos Patiño, Juan érez Roldán, fr uan Romero, Matías Ruiz, Francisco Sanz, Gabriel de Sostre y Sola, Pedro de Soto, Miguel Tello, Alonso de Torices, Urbán de Vargas o Francisco Zubieta. También le escriben organistas como los hermanos Antonio y Bernardo Brocarte, Martín de Barasoain, Diego García Chamorro, Bartolomé Longas, Lucas Puyol, Lucas Rodríguez, Francisco Sanz de Tejada, José Solana o Francisco Ximénez; cantores como Juan de Chávarri, José de León, Francisco Lizondo, Manuel López de Mataúco, fr. Manuel de Mendoza, Muzquiz de Aránzazu, Juan Antonio de Odiaga, Domingo Ortiz de Zárate, Blas de Palacios, Juan Salvador, fr. José de Vaquedano, Andrés Velasco o Pedro Vetegón; los copistas Francisco ondo y fr. Domingo Ortiz de Zárate mantienen una fluida correspondencia sobre todo, las monjas músicas (desconocidas si no hubiéramos leído sus cartas) Herrera, Mariana de Jesús, discípulas de los maestros Barasoain, Marrodanto Petronila Pacheco, Josefa Salinas, Josefa Treviño y Francisca de Yoldi.
Esta correspondencia del músico Miguel de Irízar es la más numerosa, hasta ahora conocida, conservada de un maestro de capilla del barroco español. Sus trescientas sesenta y dos cartas constituyen una importante fuente documental de primera mano para el estudio de aspectos tan diversos como la constitución de las capillas, las andanzas de músicos de una ciudad a otra, el intercambio de composiciones entre maestros, la compra y venta de partituras a través de los copistas profesionales, los repertorios de los conventos de religiosas, o la enseñanza de las discípulas que se preparan para dirigir la capilla como monjas músicas con sus correspondientes salarios. Dada la diversidad de sus remitentes y sus contenidos estas cartas ofrecen a cualquier investigador ahondar en estos aspectos de la vida cotidiana
de un maestro de capilla español durante el último tercio del siglo XVII.

El carácter intemporal y universal de la forma y su permanencia en el tiempo a través del diseño popular ofrece un nuevo acercamiento a la identidad y al sentido de lo humano, planteada en esta tesis desde el caso abulense. El lenguaje de la forma, la escultura, se presenta así como un proceso creativo innato y necesario de nuestra naturaleza, capaz de permanecer en el tiempo como testigo y conexión de personas más allá del tiempo y el espacio. Este es el sentido de estas tesis que parte de un espacio concreto, Ávila, para ofrecer unas conclusiones con repercusiones universales al plantear un viaje al sentimiento, la emoción y la racionalidad desde la contemplación reflexiva que nace con la necesidad del universal proceso creativo. Dos momentos marginales respecto de la tradicional concepción artística oficialmente aceptadas son los elegidos para desarrollar este trabajo por permitirnos acercarnos a la esencia de conceptos como identidad, supervivencia y creación. Hablamos del primitivismo que cronológicamente nace con los primeros gestos plásticos del ser humano hasta la integración de la cultura desarrollada en estas tierras dentro del contexto más amplio y dirigido de la romana. Como disciplina artística, la escultura permite una mirada diferente a la científica, capaz de estudiar elementos de indudable valor artístico por su belleza, concreción, poesía expresividad de la forma, la materialización de azar e intención... Aspectos que transforman aparentes objetos anodinos, más allá de su valor histórico y testimonial, en fuentes de contemplación, conocimiento y disfrute artísticos que superan incluso la inicial validez funcional en aquellos casos en los que así la hubo. Hablamos de la vitalidad que podemos percibir desde su presencia como elementos artísticos. Estamos condicionados por nuestra propia actitud cultural a la hora de contemplar un objeto. Somos herederos del clasicismo, pero también de una identidad menos reconocida y transmitida, entre otros, por manifestaciones como el arte popular que surgió con las primeras manifestaciones artísticas y que se ha mantenido hasta nuestros días. Es, por lo tanto, el estilo artístico de mayor presencia en cualquier cultura cuya esencia creativa ha conservado el mismo sentido arcaico y primitivo que poco a poco hemos ido olvidando para volver a buscarlo desde la contemporaneidad. Tres caminos temáticos complementarios nos llevan a profundizar en el tema hasta llegar a las conclusiones finales: Materiales y técnicas, temática y aspectos formales. En todos ellos se profundiza en la esencia íntima común tanto a lo primitivo y a lo popular como consecuencia de las particulares relaciones humanas de ambos momentos en relación al ambiente natural y también al económico-social caracterizado por una economía de autoabastecimiento. En lo cultural, la inusual adquisición de materiales y elementos que podemos denominar como «exóticos» aportarán protagonismo ornamental y simbólico, en contraste con el trabajo más habitual condicionado por la asequibilidad de materiales y el mayor desarrollo de sus técnicas vinculadas, que influidos también por una temática común, vinieron a producir resultados formales característicos, incluso transmitidos por tradición y buscados por el autor en cada nueva creación.La facilidad de técnicas como la incisión o el grabado, pero también la sencillez y contundencia de algunas formas provocan una asimilación más rápida y profunda en el inconsciente formal. Estas características condicionan una concepción formal que camina con cierta soltura entre los ámbitos de la abstracción y la figuración, sin llegar nunca a niveles altos de realismo y que en algunas ocasiones adquieren un protagonismo en su relación con los materiales muy próximos a los presupuestos escultóricos propugnados por concepciones y movimientos de gran vitalidad plástica del siglo XX. El concepto y el tema se unen íntimamente para desarrollar un juego más o menos complicado de lecturas icónicas según los casos. La vitalidad de la forma se renueva a lo largo de la historia con cada nueva mirada, que también, a la larga, llega a producir confusión y empobrecimiento por la pérdida de referentes originales. El tema supone la adecuación de la forma a su utilidad, tanto en relación a la funcionalidad de la vida cotidiana, como con los aspectos más intangibles de la existencia desde la proyección de la personalidad artística del autor y por extensión de la comunidad en la que vive inmerso, tal y como seguimos creando hoy. Desde la observación analítica deducimos los muchos valores y elementos que unen a autores de diferentes épocas y espacios por encima del nivel consciente. Esta idea nos plantea unas interesantes y poco conocidas relaciones humanas cuyo testimonio se mantiene a través del arte popular. Hablamos de una manifestación artística nacida con los tiempos humanos, aglutinadora de conceptos y temas pese a la distorsión ya mencionada por la pérdida o transformación del código original. No sucedió así con el diseño de formas y dibujos que se han venido transmitiendo en un estado formal bastante puro, a pesar de las modificaciones propias de la manipulación individual o de la adaptación en función del momento y sus circunstancias. Un acontecimiento fundamental es la presencia del hito, elementos que incluso llegarán a ser adoptados para trascender hasta la expresión culta como símbolos identificativos y expresión de los mismos impulsos intemporales aunque materializados bajo diferentes advocaciones. Podemos afirmar que, aunque el arte popular es bastante fiel a la forma y al diseño, lo es aún más a su esencia, lo cual explica la permanencia de una misma personalidad a través de piezas con diferentes grados de barroquización. Podemos concluir afirmando que nuestra experiencia creativa y apreciativa es universal, pero necesitamos volver a los orígenes desde nuestros actuales planteamientos para reencontrarnos con nuestra propia naturaleza humana, comprender nuestra necesidad creativa, revalorizar los valores artísticos y la trascendencia del hecho creativo, potenciar el conocimiento y desde todo ello, crecer como comunidad particular y global.

Este libro es el resultado de una reflexión conjunta que abordamos los miembros del Grupo de Estudios sobre Literatura y Cine (GELYC) de la Universidad de Salamanca sobre uno de los temas nucleares de nuestra investigación: la problemática del trasvase de textos literarios a la pantalla. Después de una serie de años dedicados al estudio de las adaptaciones en el cine español del periodo franquista (investigación que se ha desarrollado en tres proyectos de investigación sucesivos, el último de los cuales centrado en los años 1962-1975 y se encuentra aún en fase de ejecución) sentíamos la necesidad de ampliar el horizonte de nuestra labor aunque sólo fuera para buscar respuesta a las cuestiones de índole teórica que continuamente se nos planteaban, especialmente al ser conscientes de la distancia cada vez mayor que media entre aquellas prácticas adaptativas y las que llegan a las pantallas actuales; una distancia perceptible, además, en lo relativo al aparato teóricocrítico elaborado en torno a ellas y, por supuesto, a las expectativas y las condiciones de su recepción.

A lo largo de la historia, el ser humano ha pasado por diferentes fases tecnológicas para mejorar el proceso de comunicación, tales como la invención de la escritura, la imprenta o la evolución artística. Actualmente, han surgido desarrollos tecnológicos en relación a la información y comunicación a través de la digitalización del entorno. En este sentido, sin lugar a dudas, los ordenadores son los grandes responsables de este cambio de paradigma. En este momento, existe una marcada evolución hacia el tratamiento digital de información recogida en diferentes soportes. No solo se está realizando tratamiento de información relacionada con el lenguaje, sino también de la información no verbal como los gestos, los movimientos o la expresión artística. Todo esto ofrece un nuevo marco de fuentes y contenidos que es esencial explorar y explotar. Este trabajo aportará una breve recopilación histórica sobre los diferentes sistemas de transcripción musical, tanto en la música culta como en la popular, terminando por describir las propuestas más recientes que utilizan las nuevas tecnologías para transcribir música. Posteriormente, profundizaremos en el concepto de generación musical a través del uso de nuevas tecnologías, y muy especialmente, de la inteligencia artificial. Esto incluye el estudio de métodos, algoritmos y modelos que permitan la recogida y digitalización de información musical. Una vez la música puede ser abarcable para la máquina, harán falta diferentes técnicas informáticas para un análisis que permita, posteriormente, la extracción de conocimiento útil para nutrir la inteligencia artificial. Esta inteligencia será capaz de crear música de forma similar a un ser humano. Para demostrar que esto es posible, se presenta un experimento que permite generar melodías basadas en la música popular de tradición oral de España.

La celebración en 2018 del Octavo Centenario de la Universidad de Salamanca nos animó a proponer la publicación de un volumen que recogiese información y críticas de un centenar de películas, clásicas y recientes, en las que profesores y profesoras de enseñanza superior desempeñasen un papel protagonista o por lo menos relevante. Cerramos así un ciclo que se inició en 2008 con Cien médicos en el cine de ayer y de hoy, patrocinado por el Colegio Oficial de Médicos de Salamanca, y tuvo continuidad en Cien abogados en el cine de ayer y de hoy (2010), bajo los auspicios del Consejo de la Abogacía de Castilla y León, ambos volúmenes publicados por Ediciones Universidad de Salamanca. Al fijarnos en esta profesión, con motivo de una efeméride tan destacada, hemos querido analizar ante todo qué imagen ha ofrecido de ella el cine a lo largo de su historia; en qué tipo de problemas se veían envueltos los enseñantes universitarios, dentro y fuera de las aulas; por qué era esa precisamente la dedicación de unos personajes que sufrían o disfrutaban determinadas peripecias. Y todo ello desde una perspectiva fundamentalmente cinematográfica, no sectorial ni corporativa.

Resumen (Español / Castellano): Las fuentes en las que se fundamenta la novela histórica proporcionan, además de una ambientación correcta de la acción, la veracidad necesaria para que el lector reconozca el trabajo llevado a cabo por el autor. Este estudio se centra en descubrir las fuentes históricas, literarias, artísticas, religiosas y culturales de dos novelas muy diferentes que comparten un marco común, el Renacimiento Italiano. Mientras que en Fra Filippo Lippi de Emilio Castelar (1877-1879) la exactitud histórica se presenta sólo en determinados capítulos que parecen ralentizar la acción, en Bomarzo de Manuel Mujica Lainez (1962), lo histórico está tan integrado que es difícil detectar qué parte se corresponde con la historia y cuál con la ficción. Las fuentes consultadas por los autores e incorporadas al texto narrativo proporcionan laexhaustividad necesaria para que el ambiente histórico recreado sea preciso. Al confrontar dichas fuentes con el texto literario se observa cómo, además, el marco creado ayuda a delimitarla psicología de los protagonistas, pues, aunque son personajes históricos, los autores crean una vida de ficción a partir de los hechos históricos. Por otro lado, las referencias literarias (correspondientes a un periodo que va desde los siglos XV y XVI hasta el presente de los autores) aportan el marco necesario para que los protagonistas sean portadores de una nueva inmortalidad. La exactitud de las descripciones, la configuración de los caracteres tanto renacentistas como contemporáneos, las perspectivas artísticas o religiosas, configuran estas dos obras en una serie de coincidencias difíciles de obviar.

La presente publicación responde a una demanda de reflexión crítica en torno al lugar de la ciudad, su planificación, arquitectura y entorno sociocultural. La propuesta narrativa, señalada en anteriores publicaciones: Los axiomas del crepúsculo (1990), esplendor y fragmento (1995), Las primaveras de ilion (2010)… responde a una valoración crítica modesta en sus pretensiones historiográficas, ampliada en algunos apartados como crítica sociocultural que somete a consideración, desde la mirada del superviviente, el discurrir de la arquitectura en la heterogénea disciplina de la construcción del «locus civitatis» y en la no menos compleja transición de la ciudad a la metrópoli, ya manifiesta desde que los epígonos de las vanguardias entregaron en prendas formales los decorados de la derrota de aquellos reductos de una racionalidad astutamente emparentada con un positivismo tecnocrático, y cómo los espacios y lugares de la ciudad por los que discurría su madurez se han ido transformando, en buena parte, en sublimes metáforas digitales; un lenguaje donde la sagacidad de sus signos cobra una dimensión más importante que el hombre que habla, un lenguaje más apropiado a los recursos del intérprete que a los rasgos racionales del creador; un conjunto de metonimias espaciales en acelerada metamorfosis que trasforma los limites imprecisos de aquellos proyectos que se formulaban como ciudad moderna, y lo hace ahora bajo los presupuestos de una inteligencia social de operativa metodología colectiva, que permite acercarse a las geografías del ciberespacio y donde el proyecto vital de este nómada digital solo puede navegar por el archipiélago deconstruido en simulados fragmentos de costosa vigencia estética, formalismo neoliberal cobijado bajo los soliloquios del posmodernismo.